Marco Neri - Bandiere Rosse

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COMUNICATO STAMPA

Ho conosciuto Marco Neri appena dopo che la sua prima serie di bandiere era stata presentata alla Biennale di Venezia del 2001 (Platea dell’umanità, a cura di Harald Szeemann) sulla parete di ingresso del Padiglione Italia. In molti se la ricorderanno: quel lavoro, così ambizioso, si intitolava Quadro mondiale, ed era composto di 192 tele dello stesso formato, dipinte a tempera. Quella grande parete, dunque, delineava, in un unico colpo d’occhio, un’immagine del globo basata su prossemiche e relazioni di natura esclusivamente formale, cioè sui colori, o sulla ricorrenza di bande verticali, orizzontali o diagonali, e sulla ripetizione (con variazioni) dei simboli e delle forme rappresentati sulle bandiere. 
Ho pensato spesso allo spensierato piacere che deve aver provato l’artista, allora, mentre allestiva la parete del Padiglione Italia – con i dipinti tutti dello stesso formato e disposti su più file – nell’articolare e stabilire posizioni e vicinanze tra le diverse bandiere, prendendo in considerazione valori esclusivamente visivi e di tono, invece che consolidati rapporti di forza o fattori di natura politica e territoriale. Per dire, gli Stati Uniti o la Cina, in quella partitura, avevano potenzialmente lo stesso peso e rilievo del Mali o dello Yemen.   
Lo stesso piacere mi sembra di riconoscerlo in Marco quando descrive la conformazione di una delle bandiere che sta dipingendo: nelle sue parole puoi leggere sempre, accanto all’entusiasmo (un entusiasmo che sfiora l’ossessione, simile a quella di certi bambini che sanno a memoria, che so, tutte le capitali del mondo…), una certa acribia filologica: ogni bandiera, oggetto concreto ed emblema quotidiano, è fatta di forme e colori che emergono da una profondità che riguarda la storia e l’identità di un popolo. È a questa profondità che sembra aderire la mano dell’artista quando dipinge una bandiera. “In fondo le bandiere – ha detto una volta – non sono che rettangoli di tessuto dove pochi colori rappresentano luoghi, storie, più o meno come i quadri che ho sempre fatto. Dipingere una bandiera però significa aderire fisicamente all’identità storica e geografica che ha dato vita a quella forma. È compiere un gesto più che esprimere un concetto, e intendo continuare a farlo”.
Quadro mondiale includeva tutte le bandiere del mondo e sembrava, in un certo senso, un lavoro conclusivo. In realtà era solo l’inizio di qualcosa, perché Neri le bandiere ha continuato a dipingerle, e continua a dipingerle anche oggi, come questa mostra da AF Gallery, Bandiere rosse, dimostra. È una cosa che avviene, certamente, con tutte le sue serie, che non si esauriscono mai completamente (possono al limite inabissarsi per certi periodi, essere messe tra parentesi, per poi riaffiorare, e magari combinarsi tra loro; insomma possono ricomparire anche a distanza di anni), ma tra tutte le serie è con le bandiere che l’artista sembra aver sviluppato una costante, inossidabile, assiduità. Che finisca per essere proprio questa – dove sembrano ridursi al minimo le tracce di un’autorialità, di qualcosa che non saprei come chiamare altrimenti se non “stile” – la sua serie più emblematica e identitaria? Quando Neri ha iniziato a dipingere bandiere quel processo di sintesi e scarnificazione dell’immagine che andava operando attraverso la sua pittura, a partire dal paesaggio, ha subito una decisa accelerazione. Non era proprio quel soggetto che collocava ineluttabilmente il suo lavoro in una zona mediana tra figurazione e astrazione, così come in fondo stava capitando ai suoi paesaggi? E perché rappresentare bandiere, farlo oggi, sebbene possa apparire una faccenda complicata, costituisce un’irresistibile attrattiva per un pittore come lui? Una faccenda complicata, e per giunta con una storia già lunga. Vengono in mente, in ordine sparso, le bandiere nei quadri di Delacroix, Manet, Monet, Rousseau il Doganiere, quel passaggio ineludibile rappresentato da Jasper Johns, che attraverso l’encausto riuscì a legare l’immagine di un oggetto (la bandiera americana) al suo supporto in modo da rendere il quadro ancora più oggetto, i mappamondi di Alighiero Boetti… E come non pensare alle bandiere rosse che punteggiano l’immagine della folla ne I Funerali di Togliatti di Renato Guttuso, lavoro tra i più noti tra quelli conservati al MAMBo, che, spinte dal desiderio di compiere una temporanea, breve migrazione, sembrano essersi date appuntamento proprio oggi, sulle pareti della galleria? Bandiere rosse (un titolo che rilancia l’espressione “Bologna la rossa”, così abusata e forse dal suono obsoleto, inattuale, se la si pronuncia in relazione al tempo presente) include una sequenza di bandiere, la serie di più recente che Neri ha realizzato: tutti accomunate dalla presenza del rosso, un colore presente nella sua pittura, ma usato dall’artista con parsimonia, spesso per accendere una tavolozza che è fatta prevalentemente di bianchi/neri/grigi e diversi toni del blu e dell’azzurro. I dipinti rappresentano tredici bandiere, tutte quelle la cui immagine risulta dall’utilizzo del rosso e dalla combinazione del rosso col bianco. La mostra disegna un ritmo di orizzontali/verticali/diagonali/linee spezzate/a zig-zag, e movimenti di forme e simboli (talvolta gli stessi, con piccole variazioni) da un dipinto all’altro, che coinvolge tutte le pareti della galleria. Dunque: fa un certo effetto constatare che se la banda rossa occupa la metà superiore dell’immagine dà luogo alla bandiera della Polonia, mentre se sta in quella inferiore diventa quella dell’Indonesia; che le bandiere dell’Indonesia e del Principato di Monaco sono identiche; che Perù a Austria (possono esserci due paesi più diversi tra questi due?) hanno la stessa progressione di colori: rosso/bianco/rosso, ma l’una è con bande verticali e l’altra con bande orizzontali; che l’utilizzo dello stesso simbolo (la mezzaluna combinata con una o più stelle, dell’Islam), dà luogo, con piccole variazioni, a diverse bandiere (Singapore, Turchia, Tunisia); che la croce (bianca) è presente nella bandiere di Danimarca e Svizzera, ma perfino (in rosso, sul bianco) in quella di Tonga. La bellezza di Bandiere rosse è anche questo gioco combinatorio. Ultima osservazione: la bandiera come soggetto di un dipinto è una forma data che, diversamente da quel che accade con un volto o un paesaggio, sembra ridurre, per non dire annullare, la gamma di scelte di un pittore sulla superficie del quadro. In cosa consiste allora la pratica del dipingere, quando la pittura si riduce a un’operazione apparentemente così restrittiva? E siamo sicuri che uno spettro di scelte non venga messo in campo comunque (per esempio nel preparare un tono che determina lo slittamento da un colore impersonale come quello riprodotto su un tessuto a un colore caldo e corporale come quello della pittura? O che al dipingere un quadro debba corrispondere sempre una illimitata gamma di possibilità? (Disse Gerhard Richter a proposito dell’operazione meccanica del riprodurre fotografie: “Non dover inventare per forza qualcosa di nuovo, dimenticare il significato della pittura – colore, composizione, spazio – e tutto ciò che sapevi e pensavi. All’improvviso niente di tutto questo è una priorità in arte”). E non è proprio per via di questa riduzione (delle scelte, delle possibilità) che la pittura finisce per emergere in modo inevitabile ed epifanico? Le bandiere viste da vicino: tremolii, contorni lievemente sfrangiati, balbuzienti, segni e tratti del pennello e della mano. “Da lontano le bandiere sono politica, da vicino semplicemente pittura” ha detto una volta Szeemann di fonte alla parete di quella Biennale. Le bandiere dipinte da Marco Neri, anche in questa mostra, vanno viste da vicino. 
Davide Ferri

EN:
I met Marco Neri just after his first series of flags had been presented at the 2001 Venice Biennale (Platea dell'uomo, curated by Harald Szeemann) on the entrance wall of the Italian Pavilion. Many will remember it: that ambitious work was titled World Picture, and was made up of 192 canvases of the same size, painted in tempera. That large wall, therefore, outlined, in a single glance, an image of the globe based on proxemics and relationships of an exclusively formal nature, that is, on colours, or on the recurrence of vertical, horizontal or diagonal bands, and on repetition ( with variations) of the symbols and shapes represented on the flags. I have often thought about the carefree pleasure that the artist must have felt, then, while he was setting up the wall of the Italian Pavilion - with the paintings all of the same size and arranged in several rows - in articulating and establishing positions and proximity between the different flags, taking into consideration exclusively visual and tonal values, rather than consolidated power relations or factors of a political and territorial nature. That is to say, the United States or China, in that score, potentially had the same weight and importance as Mali or Yemen. I seem to recognize the same pleasure in Marco when he describes the shape of one of the flags he is painting: in his words you can always read, alongside the enthusiasm (an enthusiasm that borders on obsession, similar to that of certain children who know how to memory, I don't know, all the capitals of the world...), a certain philological accuracy: every flag, concrete object and daily emblem, is made of shapes and colors that emerge from a depth that concerns the history and identity of a people.  It is to this depth that the artist's hand seems to adhere when he paints a flag. “After all, flags – he once said – are just rectangles of fabric where a few colors represent places, stories, more or less like the paintings I have always done. Painting a flag, however, means physically adhering to the historical and geographical identity that gave life to that shape. It is making a gesture rather than expressing a concept, and I intend to continue doing so. "World Picture included all the flags of the world and seemed, in a certain sense, a final work. In reality it was just the beginning of something, because Neri continued to paint flags, and continues to paint them today, as this exhibition at AF Gallery, Red Flags, demonstrates. It is something that certainly happens with all its series, which are never completely exhausted (they can at most sink into the depths for certain periods, be put between parentheses, and then resurface, and perhaps combine with each other; in short, they can reappear even at a distance of years), but among all the series it is with the flags that the artist seems to have developed a constant, indestructible, assiduity. Could it end up being precisely this - where the traces of authorship seem to be reduced to a minimum, of something I don't know what else to call other than "style" - his most emblematic and identifying series? When Neri started painting flags, that process of synthesis and stripping of the image that was operating through his painting, starting from the landscape, underwent a decisive acceleration. Wasn't it precisely that subject that ineluctably placed his work in a middle zone between figuration and abstraction, as was ultimately happening to his landscapes? And why does representing flags, doing so today, although it may seem like a complicated matter, constitute an irresistible attraction for a painter like him? A complicated matter, and one with an already long history. What comes to mind, in no particular order, are the flags in the paintings of Delacroix, Manet, Monet, Rousseau the Customs Officer, that unavoidable passage represented by Jasper Johns, who managed to bind the image of an object (the American flag) through encaustic to its support in order to make the painting even more of an object, Alighiero Boetti's globes... And how can we not think of the red flags that dot the image of the crowd in Renato Guttuso's I Funerali di Togliatti, one of the best-known works preserved at the MAMBo, which, driven by the desire to carry out a temporary, brief migration, seem to have been given appointment today, on the walls of the gallery? Red flags (a title that relaunches the expression "Bologna the red", so abused and perhaps sounding obsolete, out of date, if it is pronounced in relation to the present time) includes a sequence of flags, the most recent series that Neri has achieved: all united by the presence of red, a color present in his painting, but used by the artist sparingly, often to light up a palette that is predominantly made up of white/black/grey and different tones of blue and light blue. The paintings represent thirteen flags, all those whose image results from the use of red and the combination of red with white. The exhibition draws a rhythm of horizontals/verticals/diagonals/broken lines/zigzags, and movements of shapes and symbols (sometimes the same, with small variations) from one painting to another, which involves all the walls of the gallery. Therefore: it is quite impressive to note that if the red band occupies the upper half of the image it gives rise to the flag of Poland, while if it is in the lower half it becomes that of Indonesia; that the flags of Indonesia and Monaco are identical; that Peru and Austria (can there be two more different countries than these two?) have the same progression of colors: red/white/red, but one has vertical bands and the other with horizontal bands; that the use of the same symbol (the crescent combined with one or more stars, of Islam), gives rise, with small variations, to different flags (Singapore, Turkey, Tunisia); that the (white) cross is present in the flags of Denmark and Switzerland, but even (in red, on white) in that of Tonga. The beauty of Red Flags is also this combinatorial game. Last observation: the flag as the subject of a painting is a given form which, unlike what happens with a face or a landscape, seems to reduce, if not cancel, the range of choices a painter makes on the surface of the painting. What then does the practice of painting consist of, when painting is reduced to an apparently so restrictive operation? And we are sure that a spectrum of choices is not put into play in any case (for example in preparing a tone that determines the shift from an impersonal color such as the one reproduced on a fabric to a warm and corporeal color such as that of painting? Or that in painting must a painting always correspond to an unlimited range of possibilities (Gerhard Richter said about the mechanical operation of reproducing photographs: “Not having to necessarily invent something new, forgetting the meaning of painting – color, composition, space – and all of this) that you knew and thought. Suddenly none of this is a priority in art"). And isn't it precisely because of this reduction (of choices, of possibilities) that painting ends up emerging in an inevitable and epiphanic way? seen up close: tremors, slightly frayed edges, stutters, signs and strokes of the brush and hand. “From afar the flags are politics, up close they are simply painting” Szeemann once said from a source on the wall of that Biennale. The flags painted by Marco Neri, also in this exhibition, must be seen up close.
Davide Ferri